Erinnerungen an verstorbene und Geburtstags-Glückwünsche an lebende Musiker

Ptaszyńska studierte an der Staatlichen Musikhochschule in Warschau Komposition bei Tadeusz Paciorkiewicz und an der Staatlichen Musikhochschule Posen Perkussion bei Mikołaj Stasiniewicz und Jerzy Zgodziński, außerdem nahm sie privaten Kompositionsunterricht bei Witold Lutosławski. 1968 schloss sie ihr Studium mit dem Mastergrad in den Fächern Komposition, Musiktheorie und Perkussion ab. Als Stipendiatin der französischen Regierung studierte sie 1969–70 bei Nadia Boulanger und Olivier Messiaen sowie elektronische Musik am ORTF-Zentrum in Paris. Ihre Ausbildung als Perkussionistin vervollkommnete sie in Zusammenarbeit mit Cloyd Duff, Richard Weiner und Donald Erb am Cleveland Institute of Music, wo sie 1974 ein Diplom erhielt.
Ab 1970 unterrichtete Ptaszyńska zunächst in Warschau, später u. a. am Bennington College in Vermont, der University of California in Berkeley und Santa Barbara und der Indiana University und gab Seminare und Gastvorlesungen an weiteren Universitäten und Musikschulen der USA. 1994 und 1996 unterrichtete sie an der Northwestern University Komposition und Analyse der Musik des 20. Jahrhunderts, 1995 war sie composer-in-residence am College Conservatory of Music in Cincinnati. 1997 war sie Gastprofessorin an der University of Chicago, dann Professorin für Komposition an der Indiana University in Bloomington und der University of Chicago.
1968 gewann Ptaszyńska den zweiten Preis beim Komponistenrostrum der UNESCO. Dreimal (1974, 1976 und 1987) wurde sie von der Percussive Arts Society ausgezeichnet. Die Polnische Komponistenunion ehrte sie 1988 mit einer Medaille. Ihre Kompositionen wurde bei zahlreichen internationalen Festivals (u. a. dem Schleswig-Holstein Musik Festival, dem Warschauer Herbst und dem Aspen Festival) aufgeführt, und Musiker wie Yehudi Menuhin, Matthias Bamert, Jerzy Maksymiuk, Keiko Abe, Bertram Turetzky, Nancy Allen, Roman Jabłoński und Ewa Podleś spielten Uraufführungen ihrer Werke.

Stewart studierte an der Juilliard School in New York und begann als Konzertsänger. 1957 debütierte er an der Städtischen Oper in Berlin, wo er bis 1964 sang und seine akzentfreie Beherrschung und auffallend klare Aussprache des Deutschen erwarb. Schon seit 1960 sang er bei den Bayreuther Festspielen (bis 1972). Bis in die 1970er Jahre galt er als einer der führendsten Wagner-Bass-Baritone seiner Zeit. Auch wirkte er 1961 bei der Welturaufführung von Arnold Schönbergs unvollendetem Meisterwerk „Die Jakobsleiter“ mit. An der Wiener Staatsoper war Stewart von 1960 bis 1975 zu hören. An der New Yorker Metropolitan Opera sang er von 1966 bis 1984 und von nochmals von 1991 bis 1993.
Thomas Stewart war mit der Sopranistin Evelyn Lear verheiratet.
Thomas Stewart war einer der besten Sänger der Übergangszeit zwischen der Generation Hans Hotters, George Londons und Ferdinand Frantz' einerseits und jener von Willard White und John Tomlinson andererseits, die allesamt über kräftigere und sonorere Stimmen als er verfüg(t)en. Stewart, wie auch Dietrich Fischer-Dieskau, Zoltán Kelemen und John Shirley-Quirk – die anderen großen Sänger seines Stimmfachs seiner Generation – war eher ein Meister der klaren Artikulation und der gesanglichen Nuance. Trotz seiner eindrucksvollen Diskografie geriet er in eine relative Vergessenheit, die sich zum Teil durch seine mehr lyrische und weniger heroische Herangehensweise an die Schlüsselrollen des Wagner-Repertoires erklärt.

Leifs folgte 1916 zwei Landsleuten an das Königliche Konservatorium der Musik nach Leipzig. Er hatte Klavierunterricht bei dem Klavierpädagogen Robert Teichmüller und Kompositionsunterricht bei Paul Graener. Bei Teichmüller lernte er seine spätere Ehefrau, die Pianistin Annie Riethof, kennen.[2] 1921 beendete Jón Leifs das Konservatorium mit guten Zensuren. Die Pianistenlaufbahn gab er aber bald nach der Schlussprüfung auf.
Leifs nahm Dirigierunterricht bei Hermann Scherchen, Aladár Szendrei und Otto Lohse und wollte sich vorrangig dem Komponieren widmen. Er sah es als seine Lebensaufgabe, Island eine eigene musikalische Identität zu geben. Er begann zu suchen:
„[…] ich versuchte, eine Antwort auf die dringliche Frage zu finden, ob wir in Island, wie in anderen Ländern irgendein Material hatten, das erneuert und als Ausgangspunkt für neue Musik verwendet werden könnte; einen Funken, der das Feuer anzünden könnte. Dann offenbarte sich mir die Welt der Volkslieder, und ich spürte, daß ich die Gesetze gefunden hatte, die ich gesucht hatte.“
Er fand seine Quellen in den mittelalterlichen Zwiegesängen (Tvísöngur) und der kraftvoll markierten Metrik der Rímur-Gesänge des Volkes.
Als Dirigent war er in den 1920er Jahren in Deutschland, der Tschechoslowakei und den nordischen Ländern sehr erfolgreich. Im Frühling 1926 unternahm er eine Tournee mit dem Hamburger Philharmonischen Orchester nach Norwegen, den Färöer-Inseln und Island. Seine Landsleute konnten somit erstmals ein Orchester hören. Nebenbei schrieb er zahlreiche Artikel in verschiedensten Zeitungen über Nordische Volksmusik, Orchesterdirigieren, Interpretationen klassischer Musik, Komponisten und Dirigenten. Außerdem verfasste er zahlreiche Konzertkritiken.
Mit Unterstützung des isländischen Kulturrates und der Notgemeinschaft der Deutschen Wissenschaft unternahm Leifs im Herbst 1928 für das Phonogrammarchiv der Berliner Musikhochschule unter Erich von Hornbostel eine Reise in das westliche und nordwestliche Island, um die isländischen Volkslieder phonographisch aufzunehmen.[4] Diese Aufnahmen wurden von Hornbostel anschließend einer wissenschaftlichen Forschung unterzogen und die Ergebnisse veröffentlicht. Noch heute sind diese Aufnahmen vorhanden und dienen wissenschaftlichen Zwecken. Schon 1925 hatte er im Land Volkslieder gesammelt.
Im Februar 1935 wurde ihm der Posten eines musikalischen Leiters des Isländischen Staatlichen Rundfunks angeboten, worauf er nach Island zurückkehrte, während seine Familie in Rehbrücke bei Berlin blieb. In seiner freien Zeit komponierte er am ersten Teil seines Oratoriums Edda.

Ptaszyńska studierte an der Staatlichen Musikhochschule in Warschau Komposition bei Tadeusz Paciorkiewicz und an der Staatlichen Musikhochschule Posen Perkussion bei Mikołaj Stasiniewicz und Jerzy Zgodziński, außerdem nahm sie privaten Kompositionsunterricht bei Witold Lutosławski. 1968 schloss sie ihr Studium mit dem Mastergrad in den Fächern Komposition, Musiktheorie und Perkussion ab. Als Stipendiatin der französischen Regierung studierte sie 1969–70 bei Nadia Boulanger und Olivier Messiaen sowie elektronische Musik am ORTF-Zentrum in Paris. Ihre Ausbildung als Perkussionistin vervollkommnete sie in Zusammenarbeit mit Cloyd Duff, Richard Weiner und Donald Erb am Cleveland Institute of Music, wo sie 1974 ein Diplom erhielt.
Ab 1970 unterrichtete Ptaszyńska zunächst in Warschau, später u. a. am Bennington College in Vermont, der University of California in Berkeley und Santa Barbara und der Indiana University und gab Seminare und Gastvorlesungen an weiteren Universitäten und Musikschulen der USA. 1994 und 1996 unterrichtete sie an der Northwestern University Komposition und Analyse der Musik des 20. Jahrhunderts, 1995 war sie composer-in-residence am College Conservatory of Music in Cincinnati. 1997 war sie Gastprofessorin an der University of Chicago, dann Professorin für Komposition an der Indiana University in Bloomington und der University of Chicago.
1968 gewann Ptaszyńska den zweiten Preis beim Komponistenrostrum der UNESCO. Dreimal (1974, 1976 und 1987) wurde sie von der Percussive Arts Society ausgezeichnet. Die Polnische Komponistenunion ehrte sie 1988 mit einer Medaille. Ihre Kompositionen wurde bei zahlreichen internationalen Festivals (u. a. dem Schleswig-Holstein Musik Festival, dem Warschauer Herbst und dem Aspen Festival) aufgeführt, und Musiker wie Yehudi Menuhin, Matthias Bamert, Jerzy Maksymiuk, Keiko Abe, Bertram Turetzky, Nancy Allen, Roman Jabłoński und Ewa Podleś spielten Uraufführungen ihrer Werke.

Nach seinem Studium an der Musikhochschule Freiburg, Hauptfach Harfe, und Aushilfstätigkeiten als Harfenist, Schlagzeuger und Korrepetitor an den Städtischen Bühnen Freiburg nahm Köhler 1941 ein Engagement am Theater Heilbronn an als Harfenist und Solorepetitor. Ab 1942 folgten drei Jahre Kriegsdienst. 1946 ging Köhler als Kapellmeister erneut nach Freiburg. 1952 wurde er dort Erster Kapellmeister. 1954 wechselte er an die Düsseldorfer Oper, die spätere Deutsche Oper am Rhein. Ab 1957 dirigierte er an der Oper in Köln, deren interimistische Leitung er 1962 als Stellvertretender Generalmusikdirektor übernahm wie zugleich auch die Leitung des Opernstudios an der Musikhochschule. Ab dem Jahre 1964 war er Generalmusikdirektor des Saarländischen Staatstheaters in Saarbrücken, wo er auch eine Professur für Dirigieren an der Hochschule des Saarlandes für Musik und Theater erhielt.
Zwischen 1974 und 1988 bekleidete er das Amt des Generalmusikdirektors am Hessischen Staatstheater in Wiesbaden. Danach wurde er Hofkapellmeister an der Königlichen Oper in Stockholm. Darüber hinaus gastierte Köhler international bei bedeutenden Orchestern.
Seine künstlerische Laufbahn ist dokumentiert durch Rundfunk- und Fernsehaufzeichnungen sowie Platteneinspielungen. Unter dem Titel Alles Capriolen, den auch eine von ihm komponierte Operette trägt, legte er 2003 seine Autobiographie vor. Siegfried Köhler ist neben Dame Gwyneth Jones, Catarina Ligendza, Siegmund Nimsgern und der ebenfalls verstorbenen Astrid Varnay Ehrenmitglied des Richard-Wagner-Verbandes Saarland.

Sie besuchte die Staatliche Musikakademie in Dresden, wo sie Schülerin von Eduard Plate war. Bühnendebüt 1952 am Theater von Cottbus als Amelia im »Maskenball« von Verdi. 1955-57 war sie in Schwerin, 1957-66 in Rostock, 1966-72 am Nationaltheater Weimar engagiert. Seit 1972 als erste hochdramatische Sopranistin an der Staatsoper von Dresden tätig, an der sie eine sehr erfolgreiche Karriere durchlief. Sie sang seit 1971 auch regelmäßig an der Berliner Staatsoper und am Opernhaus von Leipzig und erschien als Gast an der Oper von Leningrad, am Teatro Liceo von Barcelona, an der Nationaloper von Budapest und bei den Festspielen von Wiesbaden. Weitere Gastspiele an den Nationalopern von Prag, Belgrad und Sofia. Höhepunkte in ihrem Repertoire waren die Brünnhilde im Ring-Zyklus, die Isolde, die Ortrud im »Lohengrin«, die Marschallin im »Rosenkavalier« von R. Strauss, die Tosca, die Santuzza, die Leonore in Beethovens »Fidelio« und die Lady Macbeth in »Macbeth« von Verdi. Sie wirkte später als Dozentin an der Franz Liszt-Musikhochschule in Weimar.

Er wurde in Moritzburg bei Dresden erzogen und erlernte den Beruf eines Tischlers. Im Zweiten Weltkrieg geriet er in russische Gefangenschaft, wo man bereits sein Talent erkannte. 1949 begann er seine Gesangsausbildung und war zugleich Statist bei einem Operettentheater in Dresden, dann Chorsänger am Landestheater Sachsen Dresden-Radebeul, wo er bereits 1950 die Rolle des jungen Enoch Arden in O. Gersters Oper »Enoch Arden« übernahm. Er setzte gleichzeitig seine Ausbildung bei Fritz Liebscher, I. Schubert-Koch, K. Zingel und A.L. Lommatzsch in Dresden fort. 1953-55 war er Mitglied des Chors der Dresdner Staatsoper, seit 1955 dort als Solist engagiert. 1956 sang er im Bayreuther Festspielchor und übernahm hier 1958-61 kleinere Rollen, u.a. 1959-61 den Ulrich Eisslinger in den »Meistersingern«. 1959 hatte er in Dresden einen sensationellen Erfolg als David in den »Meistersingern«, dann auch als Ferrando in »Così fan tutte« und als Tamino in der »Zauberflöte«. Seit 1961 Mitglied der Staatsoper Berlin, zugleich als ständiger Gast in Dresden tätig. 1969 nahm er an der Berliner Staatsoper an der Uraufführung der Oper »Lanzelot« von Paul Dessau teil. Er wurde vor allem als Interpret von Buffo-Partien international bekannt und gastierte in Budapest und Bratislava (Preßburg), als Oratorientenor u.a. bei den Händel-Festspielen in Halle. An der Wiener Staatsoper, am Bolschoj Theater Moskau und an der Oper von Lyon als David, bei den Festspielen von Perugia als Jacquino im »Fidelio« aufgetreten. 1993 gab er seine Karriere auf.

Alice Sara Ott erlernte, gegen den ursprünglichen Willen ihrer japanischen Mutter, mit vier Jahren das Klavierspiel. Bereits als Kleinkind gewann sie zahlreiche Musikwettbewerbe und Förderpreise, darunter „Jugend musiziert“ und der Most Promising Artist Award in Hamamatsu, Japan. Als jüngste Teilnehmerin überhaupt konnte sie mit 15 Jahren beim Internationalen Klavierwettbewerb Silvio Bengalli in Italien den 1. Preis gewinnen. Sie wurde von Karl-Heinz Kämmerling am Salzburger Mozarteum unterrichtet und trat bereits bei zahlreichen nationalen und internationalen Veranstaltungen und Festivals auf, darunter das Classix Festival Braunschweig, die Zürcher Festspiele, das Bachfest Leipzig und die Festspiele Mecklenburg-Vorpommern. Sie ist mehrfache Meisterschülerin und Preisträgerin der Internationalen Musikakademie für Solisten (IMAS).[2][3]
Die Zeitschrift Fono Forum wählte sie zum Nachwuchskünstler des Jahres 2007. Ott, die seit 2008 bei der Deutschen Grammophon als Exklusivkünstlerin unter Vertrag steht, hat CDs aufgenommen mit Stücken von Franz Liszt und Frédéric Chopin. Sie erhielt zahlreiche Förderstipendien, unter anderem von der Degussa-Stiftung, der Deutschen Stiftung Musikleben und der Studienstiftung des deutschen Volkes. 2010 wurde Alice Sara Ott zusammen mit Olga Scheps mit dem ECHO Klassik ausgezeichnet.
Ihre jüngere Schwester Mona Asuka Ott ist ebenfalls Pianistin.