Giganten

Also, meine liebste Sinfonie von Brahms ist die 2. mit Bruno Walter, was sich einfach dadurch erklärt, dass sie das erste große Werk von Brahms für mich mit 16 war. Danach war ich Brahms verfallen, was sich bis heute nicht geändert hat. Das Schubertsche Streichquintett (das Alban-Berg-Quartett ist bei Schubert noch besser als das berühmte Amadeus-Quartett) habe ich in Tübingen an der Uni gehört: der Theologieprofessor Adolf Köberle machte eine Reihe für Hörer aller Fachrichtung (studium generale), in der er u.a. dieses Werk vorstellte und auch per Grammophon spielen ließ. Ich war damals wie erschlagen von dieser Musik; auch das hat sich nicht geändert.
Beim Durchsehen des Themas stelle ich fest, dass ihr sehr gut aufgezeigt habt, dass auch subtile, kleiner besetzte Werke zu den Giganten gehören. Zum andern freue ich mich, dass ich die Werke bis auf den Sibelius alle kenne und sie alle mit Freude hier begrüße. Meine Beiträge werden sich hier weiter auf die alte Musik konzentrieren. Der nächste Beitrag wird sich mit Byrd und Tallis beschäftigen.
Zu den Dirigenten: als Chorsänger bin ich Purist, da möchte ich einen Dirigenten haben, der ganz ruhig schlägt und genaue Einsätze gibt (und so einen habe ich). Das ist für mich auch eine Tugend von Orchesterdirigenten, daher war mir die Apotheose von Herbert von Karajan immer etwas komisch (vom Erhabenen zum Lächerlichen...). Aber eine Ausnahme gibt es, und das scheinen die meisten hier auch so zu sehen: Leonard Bernstein. Dieser unbedingte Wille zur Emotion, wobei die Genauigkeit ja nicht leidet, das reißt mich immer mit. Es zeigt sich übrigens, dass "Giganten" sich auch auf die Ausführenden bezieht, denn die Werke verlangen so viel, dass man kleinere Geister damit nicht betrauen kann.

Thomas Tallis und William Byrd waren Fremde im eigenen Land, denn England war protestantisch geworden (genauer: anglikanisch). Sie wollten aber katholisch bleiben und katholische geistliche Musik schreiben. Nur ihr Ruhm schützte sie vor Verfolgung. Im Alten Testament sahen sie Parallelen zu ihrem Schicksal. Das zentrale Ereignis des Alten Testaments war die Eroberung Jerusalems durch Nebukadnezar 589 v.Chr. (oder 586); daraus resultierte das komplette Ende des jüdischen Staates und die Verbannung und Verschleppung nach Babylon. Zentrale literarische Werke wurden damals die Klagelieder Jeremias (die aber ihm nur zugeschrieben sind, lat." lamentationes Jeremiae"), der Psalm 137 ("An den Wassern von Babylon..., lat. super flumina Babylonis") und Jesaja 64 ("ne irascaris domine/civitas sancti tui"). Diese Texte waren schon immer Teile der katholischen Liturgie, und Jerusalem und das jüdische Volk wurden mit der Kirche identifiziert. Im 16. Jahrhundert wurden sie auch zum Symbol im Kampf gegen den Abfall des Protestantismus vom wahren Glauben.
Viele Komponisten der Renaissance haben diese Texte komponiert. "Super flumina Babylonis" werde ich vorstellen in einer Komposition von Tomás Luís de Victoria.
Tallis: "Lamentationes Jeremiae", ein Werk in zwei Teilen. Die Stimmverteilung liegt nicht genau fest. In einem ersten Chor habe ich 1. Tenor gesungen, in einem 2. Chor die 2. (tiefe) Altstimme, die für einen hohen Tenor gut machbar ist.
Die Stücke sind abgeteilt mit hebräischen Zahlen (alef, beth, gimel, dalet usw.), die von Tallis auch komponiert sind. Das Werk enthält einige veritable Dissonanzen, die leider nicht von allen Ensembles zu hören sind. Meine Lieblingsaufnahme habe ich aus dem Radio, es sind die "Clerkes of Oxenford" unter David Wulstan, eines jener legendären englischen Ensembles. Leider existieren sie nicht mehr. Daher empfehle ich diese Version (den Tipp für dieses Ensemble habe ich hier aus dem Forum):

Das andere Stück ist auch zweiteilig: "Ne irascaris, Domine" /"Civitas sui" von William Byrd. Wir haben dieses Stück gesungen in der Fassung für Frauen, hohen Tenor, tiefen Tenor, hohen Bass, tiefen Bass.
Das Stück ist gut dokumentiert auf YouTube; die meisten Chöre singen es zu schnell, zu laut oder mit zu vielen Sängern. Die ideale Aufnahme ist die von "Stile antico".

Zu Giganten werden diese Kompositionen nur durch die entsprechende Interpretation. Giganten sind sie, weil trotz des dichten Stimmengeflechts die einzelnen Stimmen gut durchhörbar sind und auch der Text verständlich bleibt. Dazu kommt, dass die starken Emotionen des Textes sich in der Musik vollkommen abbilden (man höre nur in beiden Komposition den klagenden Ton des wiederholten "Jerusalem, Jerusalem"). Dazu kommen Steigerungen und Höhepunkte, starke und leise Stellen. Es ist klassische Polyphonie mit all ihren Vorzügen.

Schütz darf hier nicht fehlen. Hier nenne ich zunächst die Geistliche Chormusik von 1648. Es gibt keinen evangelischen Chorsänger, der nicht schon jede Menge Motetten aus dieser Sammlung gesungen hätte. Die alte Ehmann-Aufnahme ist doch etwas angestaubt, neuen Aufnahmen, die z.T. solistisch besetzt sind (wie die Weser-Renaissance), fehlt das, was ich den Gabrieli-Faktor nenne; d.h. sie sind zu dünn besetzt. Die Aufnahme mit dem Knabenchor Hannover sagt mir nicht zu, da das kein guter Knabenchor ist und das Knabentimbre mir bei Schütz nicht zusagt.
Das nächste Werk habe ich noch nicht gesungen; es ist riesig im Umfang und von der Qualität und Pracht nur mit der Marienvesper von Monteverdi zu vergleichen: der Schwanengesang.
Hier gibt es die Top-Aufnahme, die auch den Gabrieli-Faktor hat.

Der Gabrieli-Faktor gehört auch in die Musikalischen Exequien hinein, besonders in den 2. Teil, die doppelchörige Motette "Herr, wenn ich nur dich habe". Von der Herreweghe-Aufnahme war ich so enttäuscht, dass ich sie verschenkt habe.
Wenn ich also dieses Werk hören will, hole ich mir die Noten (ich habe Tenor 1 und 2 gesungen; bevor mich hier wieder einer korrigiert: nicht zusammen) und lege unsere eigene Aufnahme auf. Das war in meinem alten Vokalensemble neben der "Missa Papae Marcelli" der große Renner. Ich erinnere mich noch, wie nach irgendwelchen Sommerferien unser Dirigentenpaar mit den Noten ankam. Wir haben dann 3 Stunden lang uns sofort mit dem ganzen Stück beschäftigt, so sehr hat uns schon der erste Eindruck gefesselt. Für dieses Stück haben wir keine Solisten gebraucht, wir haben alle Soli selbst gesungen; damit wurde eine sehr gute Geschlossenheit erreicht. Von den Noten her ist Schütz viel leichter als Bach, Schütz schreibt für Sänger, Bach denkt auch in den Vokalstimmen instrumental. Trotzdem muss man aber den "Schütz-Sound" treffen. Was Schütz noch Bach voraus hat: er komponiert viel stärker auf den Text. Bei Bach muss man sich nur ansehen, wie aus "Hercules am Scheidewege" das Weihnachtsoratorium wird.

Die Aufnahme für mich. Karajan und Gundula Janowitz!

Ich möchte euch daran erinnern, dass ich ja eigentlich ein Verächter der Beethovenschen Chormusik war; seit ich die Grazer Aufnahme mit Harnoncourt im Fernsehen erlebt habe, habe ich mich in Bezug auf dieses Werk eines Besseren besonnen und begrüße dieses Werk in diesem Thema, wo es zu Recht hingehört. Allerdings muss ich es noch richtig kennenlernen, das verhindert gerade ein Gigant, den die meisten von euch wohl nicht mal dem Namen nach kennen: Francisco Guerrero.

Britten ist natürlich auch mein Lieblingskomponist der neueren Zeit neben Strawinski, Prokofiew und Janacek. Die kommen bestimmt alle noch.
Heute möchte ich ein auf den ersten Blick unscheinbares Werk lenken, Brittens Hymn to St. Cecilia (1942) auf einen Text von W.H. Auden, der gar nicht so leicht zu knacken ist. In meinem jetzigen Vokalensemble habe das Werk vor einigen Jahren vorgeschlagen. Das Gemaule war groß, wich aber ungeteilter Begeisterung, nachdem wir es konnten. Es ist A-Capella und nur für leistungsfähige Chöre. Es gibt sehr viele Aufnahmen davon. Wenn wir Dr. Pingels Rasiermesser anwenden, scheiden zunächst alle Aufnahmen aus, die zu stark besetzt sind und daher nicht flexibel genug. Viele ältere Sänger trüben dann zusätzlich den Klang. Eine dieser Aufnahmen ist - die von Britten selbst! Sie ist gänzlich unzulänglich. Der nächste Schnitt des Rasiermessers trifft alle Aufnahmen, die entgegen Brittens Anweisung externe Solisten verpflichten. Jetzt sind nur noch wenige im Rennen. Der nächste Schnitt des Rasiermessers wird angesetzt beim Solo des Soprans im dritten Satz ("O dear white children.."), eine der schönsten Melodien, die Britten je geschrieben hat. Dieses Solo muss ein ganz junges Mädchen mit einer reinen vibratolosen Stimme singen, also mädchenhaft, wie man so schön sagt. Wir hatten eine solche 20jährige, die Tochter der stellvertretenden Chorleiterin. Alles zusammengenommen: wenn ich dieses Stück hören will, hole ich mir die Noten und lege unsere eigene Aufnahme auf.

Von der Messe de Nostre Dame gibt es viele Aufnahmen. Meine Lieblingsaufnahme ist die vom Deller-Consort mit dem Collegium Aureum, die ich vor Jahrzehnten beim Kirchentag in Köln sogar live erlebt habe. Vielleicht ist sie historisch nicht ganz so getreu, das weiß man aber sowieso nicht. Jedenfalls ist sie die kühnste, wuchtigste, modernste. Ein Freund tippte damals auf Strawinski. Gar nicht so falsch, denn einer der Lieblingskomponisten Strawinskis war - Machaut.
Es gibt sie einzeln, aber Amazon verweigert hier das Bild, daher die Box bei jpc.

Es könnte sie sein; ich bin mir aber nicht sicher, weil ich die Aufnahme aus dem Fernsehen (3Sat oder arte) mitgeschnitten hatte.

William meinte mit dem Komponisten Josseph Haxdn sicher den arabischen Ausnahmemusiker und Giganten Jussuf Hax Iden, dessen sämtliche Werke, es sollen über 1000 gewesen sein, alle bei einem Brand der Haxxdia Sophia in Konstantinopel zerstört wurden.

Viele mögen sich gewundert haben, warum hier noch kein einziger Janacek aufgetaucht ist. Das liegt daran, dass wir auch einfach Zeit haben und nichts überstürzen müssen.
Das Jahr 1905-1905 verzeichnete zwei sensationelle Opernaufführungen, die die Oper als musikdramatisches Theater wieder zur neuen Blüte führten. Beide umstritten, aber ihr Siegeszug war nicht aufzuhalten.
Es handelt sich um Salomé und Jenufa, zwei Werke, von denen ich nicht genug bekommen kann, sogar, wenn sie durch RT verstümmelt werden; das gilt allerdings eher für Salomé (Inszenierung durch Tanja Gürbaca in Düsseldorf, mit der interessanten Schlusspointe, dass sich alle, aber wirklich alle, am Schluss im eigenen Blut wälzen) als für Jenufa, die ich in RT-Fassung zum Glück noch nicht gesehen habe.
Bei Salomé gibt es eine sehr gut besetzte Aufnahme von Karajan (1977, remastered 1999), mit Hildegard Behrens, die auch schon gestorben ist. Die Aufnahme mit Monserrat Caballé ist mir gerade nicht präsent, vielleicht kennt ihr noch ganz andere Aufnahmen. Eine Besonderheit der Salomé habe ich jetzt erst entdeckt: Strauss hat in der Partitur ein Heckelphon verlangt, das ist eine von Wilhelm Heckel entwickelte Art von Oboe.

Auch von Jenufa gibt es eine Reihe von sehr guten Aufnahmen, mir die liebste ist die von Charles Mackerras (1982) mit Elisabeth Söderström. Aber auch die alte Gregor-Aufnahme hat ihre Meriten, vor allem wegen der beiden Tenöre Vilem Pribyl und Ivo Zidek.

Wenn ich hier so die Themen sehe und vor allem die Rubrik "Was hört ihr gerade?", beschleicht mich das Gefühl, dass rückwärts gesehen die Musikgeschichte mit Bach aufhört und schon Schütz kaum bekannt ist. Und die Giganten des 16. Jahrhunderts sind relativ unbekannt, aber zum Glück keineswegs vergessen. Einer dieser Giganten, - das muss ich zu meiner Schande gestehen, dass ich ihn auch erst vor 20 Jahren und richtig erst vor 10 Jahren entdeckt habe -, ist der Spanier Tomás Luís de Victoria. Sein Werk ist zum Glück reichhaltig auf CDs dokumentiert, wie ein Blick zu Amazon und jpc beweist. Da kenne ich auch nur relativ wenige Ensembles und beschränke mich daher auf 2 CDs. Victoria hat in Italien gewirkt und ist in seinen späteren Jahren nach Spanien zurückgekehrt. Er hat nur geistliche Musik komponiert, die erfüllt ist von einer großen Ausdruckskraft. Was mich dabei überrascht hat, dass er so stark polyphon wie etwa Palestrina gar nicht schreibt, sodass man Text und Musik gut verfolgen kann. Sein Lieblingsthema war die Marienverehrung; und für mich ist es immer wieder eine Überraschung, dass die schönste katholische Kirchenmusik sich auf Maria bezieht, und dass diese Art der Marienverehrung mich als in der Wolle gefärbten Protestanten magisch anzieht. Vielleicht ist es ja nach Freud die Kompensation für den Zölibat.
Ich empfehle hier zwei grandiose CDs, eine ältere mit "Pro Cantione Antiqua", ein reines Männerensemble mit einem faszinierenden herben Klang (ich glaube, das dies auch der Originalklang früher war)

und eine Aufnahme mit Hesperion XX unter Jordi Savall, wo auch Frauenstimmen mitwirken.

Beide CDs haben bestimmte Titel gemeinsam, was den Vergleich reizvoll macht. Das zentrale Stück ist ein doppelchöriges "Salve Regina" (Dauer einmal 10, einmal 11 Minuten). Dieses Stück habe ich leider nie gesungen, trotzdem gehört es für mich zu den besten Chorwerken aller Zeiten, was sich bei mir daran misst, dass ich ganz traurig bin, wenn es aufhört.

Die Oper hat ihren Anfang in Venedig und mit Monteverdi gleich einen ersten Giganten hervorgebracht. Als Vorläufer der Oper könnte man die Madrigalkomödie "L´Amfiparnaso" von Orazio Vecchi (1597) bezeichnen, die in einer charmanten Version des Deller Consorts vorliegt.

Zu den Vorläufern gehört auch das Werk "Rappresentazione di anima e di corpo" (1600) von Emilio de Cavalieri, das zwar ein wenig eintönig ist, aber seinen Reiz hat, wenn es gut gesungen wird. Ich habe hier die Aufnahme mit dem Linde-Consort, es gibt aber auch eine mit L´Arpeggiata unter Christina Pluhar.

Vor Jahrzehnten hat die Düsseldorfer Oper dieses Werk in der St. Andreaskirche in der Düsseldorfer Altstadt in einer prächtigen Aufführung gespielt.
Jetzt folgte einer der ersten Opern, nämlich "Euridike" von Jacopo Peri (1600), die in einer schauerlichen Amateuraufnahme vorliegt.

Die erste große Oper, die bis heute gespielt wird, ist natürlich der "Orfeo" von Monteverdi (1607). Unzählige Aufnahmen gibt es davon, die meisten liegen nach der Zeitenwende der historisch orientierten Aufführungspraxis. Dort gibt es alles, von steril akademisch bis zu fulminant (Ponnelle-Harnoncourt). Meine Lieblingsaufnahme ist diese hier.

Eine Aufnahme aus einem Guss (2009 Barcelona). Jordi Savall als Monteverdi mit seinem tollen Orchester, alle in Kostümen; sehr gute Chöre und Solisten, dazu eine einfühlsame, nicht übertriebene (wie das Ponnelle macht) Regie von Gilbert Deflo. Das Bühnenbild orientiert sich am Palazzo Ducale von Mantua, dem Ort der Uraufführung.
Wer sich ein Bild machen möchte: diese Oper gibt es komplett bei YouTube. Aber die DVD bietet da natürlich mehr.